Pero empecemos con Teresa Helbig, ganadora del Premio L’Oréal a la mejor colección de la temporada. La catalana nos mostró una propuesta inspirada en el jazz en la que toda la audacia reside en la mezcla de vestidos flappers con botas cowboy y piezas de cuero. La colección, que pensando en el cambio climático olvida que vestirá a mujeres en noviembre, presta especial atención a los acabados refinados y a los detalles que se traducen en delicados encajes, cristales, pedrerías…

También giraba en torno al jazz la colección de Sita Murt, pero si Teresa Helbig imagina a sus mujeres bailando en clubs de Chicago, ella las traslada hasta el París más bohemio, junto a pintores que viven en las azoteas de Montmartre.

Inspirada en los años 20 está también la colección de Ana Locking, pero el que espere encontrar flappers en su propuesta se ha confundido de diseñadora. Ella parte de los roaring twenties, sí, pero los traslada hasta el 2012 mediante una cápsula del tiempo imaginaria de la que parte toda la inspiración. “Empecé a pensar en que somos muy parecidos a la sociedad de aquella época, ¡pero han pasado 90 años! Era como si les hubieran metido en una cápsula que se abriese hoy; a partir de esta idea todo empezó a salir solo”.

La colección habla de pasado, presente y futuro que se materializan en cada una de las prendas en forma de cortes, siluetas o acabados. Por ejemplo, en su colección hay vestidos de flecos para bailar charlestón, pero confeccionados con hilo de lana y lúrex que les confieren un acabado novedoso.

Especial atención a la parte de hombre, gangsters que pasean con misteriosos paquetes en la mano, pero que no olvidan ni un solo detalle del buen vestir: Impecable sastrería en americanas que se transforman en chalecos, claveles de látex en el bolsillo, pincollars para elevar la corbata…

Aunque sus vestidos de noche tienen también reminiscencias años veinte, la inspiración de Ailanto va un poco más allá en el tiempo. Ellos acuden a la chinoiserie, el movimiento artístico de moda a mediados del siglo XVIII que admiraba el arte oriental. Lacados que se plasman en ilustraciones de nenúfares invadiendo abrigos de acabado brillante, meticulosidad en los acabados, blusas de guipur son sobre capa de seda, superposiciones y detalles preciosistas que sorprenden. ¡Una colección deliciosa!

Cambia la forma -el nombre- pero el contenido sigue intacto. Ya sí que sí ha comenzado la Mercedes Benz Fashion Week Madrid a la que, por eso de abreviar, voy a empezar a llamar Merche.
La primera jornada se ha desarrollado sin novedades ni sobresaltos. Parece que en esta edición los diseñadores han decidido apostar sobre seguro y dejar el riesgo para otros. Si tuviéramos que describir el primer día en el pabellón 14 podríamos hacerlo con un par de gamas de colores: los tierra y los grises. Cero sobresaltos y sin exceso de emoción.

El dúo Alvarno ha celebrado hoy su quinto desfile en Madrid y esta vez nos ha vuelto a sorprender con una nueva localización. Sus prendas se habían paseado previamente por el Palacio de Fernán Núñez, por el Círculo de BB.AA., el Hotel Villa Magna y el Museo del Traje.

Hoy fue el turno de la residencia del embajador francés que ha emulado -por unas horas y según su nota de prensa- la privacidad de los salones de la alta costura francesa.

El calendario oficial dice que este año empieza en miércoles, pero lo cierto es que la fiesta de la moda pasarela ya ha comenzado con desfiles fuera del pabellón 14. Y es que si algo caracteriza a esta edición –además del nuevo nombre y de un adelanto de fechas- es la gran concentración de desfiles en el off.

En el off, o lo que es lo mismo fuera de Ifema y sin el consiguiente apoyo económico. Esta edición concretamente el 25% de los desfiles tendrán lugar fuera del marco oficial de la Mercedes Benz Fashion Week (veis, demasiado largo).

Varios de estos desfiles off se han agrupado (la unión hace la fuerza) bajo el nombre de Madrid Fashion Show y ayer se celebraron los primeros en el Museo del Traje. Las creaciones de Alberto Puras, Jorge Acuña y las pieles de Santiago del Palacio desfilaron en el hall de ese maravilloso edificio que alberga al museo.

Algo que me llamó especialmente la atención en la cita de anoche fue el front row. Santiago del Palacio atrajo a una legión de fieles admiradoras de sus creaciones y lo mismo sucedió con Jorge Acuña. A su estreno sobre la pasarela no faltaron Tamara Falcó, Carmen March, Mar Flores, Vega Royo-Villanova…

Y ésta es la sutil diferencia a la que me refería. Jorge Acuña, por ejemplo, se lanza a la pasarela cuando ya tiene tras de sí un negocio y una amplia red de clientas y admiradoras. Pero como hoy no vamos a entrar en el debate del desfile como medio o como fin, os dejo con algunas imágenes de su propuesta en la que princesas y caballeros de moderna armadura se hicieron con la sala:

Pero su experiencia en el mundo de la moda viene de más atrás, se remonta a cuando tenía sólo 14 años. Este hombre simpático y parlanchín aprendió mucho de lo que ahora sabe gracias al mejor maestro que podía encontrar en esa época, Yves Saint Laurent.

Habla de aquel periodo de su vida con normalidad, y es que fueron una sucesión de hechos naturales los que le han convertido en lo que es hoy. Su madre adoraba la ropa y siempre le llevaba con ella de compras; como era lo lógico en 1968, una de sus boutiques preferidas era Yves Saint Laurent. Y es precisamente en su tienda Rive Gauche donde Serge comenzó encargándose del escaparatismo, tras demostrar en sus visitas que tenía muy buen ojo para ello.

Años después llegó su propia boutique, Paule Ka (pronúnciese pol-ka), que tomaba el nombre de su tía y el apellido familiar. Un espacio multimarca del que colgaban los grandes nombres de la época: Yves Saint Laurent, pero también Mugler, Montana, Alaïa, Kenzo… A Cajfinger le gustaba mezclar- Yo adoraba colocar una chaqueta recta de Saint Laurent con un pantalón de Kenzo–, recuerda. Precisamente esas mezclas audaces, en una época en la que las mujeres vestían de pies a cabeza del mismo diseñador, le granjearon cierta fama entre las mujeres que acudían a él en busca de consejo para combinar.

El siguiente paso natural fue comenzar a diseñar él mismo las prendas que creía necesarias para sus clientas. En 1987 deja atrás Lille para lanzarse a una nueva aventura al convertir Paule Ka en su firma propia.

Como Yves Saint Laurent, tiene muy claro que no es un artista y que sus creaciones no existen sin una mujer real que las lleve. Defiende que todas quieren verse guapas; ahora y en los años 70. Y es precisamente esta premisa la que ha guiado su negocio durante todos estos años hasta convertirse en la gran empresa de 150 trabajadores que es ahora.

De antes y de ahora habla y habla sin parar y uno podría quedarse escuchándole toda la tarde. Le pregunto sobre las diferencias entre el antes y el ahora y afirma rotundo que en el siglo XXI las mujeres saben mucho más. Saben lo que quieren y no están dispuestas a pagar por algo que no valga la pena. Tampoco van a perder su tiempo. Quieren estar bellas y tienen muy claro cómo conseguirlo.

Paule Ka viste a mujeres elegantes y atemporales, pero siempre con un twist. Mezclando androginia y feminidad, sus prendas cuentan continuamente la misma historia eso sí, con nuevos marcos cada vez. Su colección Black Carpet, una línea superior dedicada a ocasiones especiales, está destinada a hacer las delicias de todas las que quieran conseguir esa elegancia que parece evidente, pero que nunca lo es.

A Madrid ha llegado hace poco, inauguró su tienda en la calle Claudio Coello hace sólo unos meses, pero ya tiene una opinión formada sobre las madrileñas –Son muy elegantes; a simple vista parecen muy sobrias y serias, pero cuando las conoces descubres que saben divertirse como ninguna– afirma cuando le pregunto.

Ha llegado dispuesto a conquistar con su optimismo y buen humor, ese mismo que le empuja a dejar un poco de lado el negro, porque dice – El mundo ya es demasiado gris. Hoy necesitamos colores para soñar.

Parece que las cifras de ventas son bastante favorables desde hace un par de temporadas; las casas de costura afirman vivir un buen momento que se traduce en nuevas clientas y más negocio, pero no en más creatividad.

Si hablamos de almas creativas, tendremos que empezar por Dior, que perdió la suya hace un año. Esta temporada Bill Gaytten y su equipo han presentado una colección que, si bien es completamente correcta, carece de vida y emoción. Sus propuestas, inspiradas innegablemente en sus archivos, están vacías. A cada pase le falta la magia y la ilusión con que Galliano nos hacía soñar.

Si la escasa ornamentación ha sido noticia en Dior, en Chanel ha sucedido todo lo contrario. Probablemente rindiendo un homenaje a Lesage, Karl ha decorado sus creaciones con ricos detalles en una gama de azul que incluye más de 150 tonalidades, según el káiser.

El azul del cielo y, por qué no el de los vaqueros, en una serie de pases de apariencia ligera, relajada e informal -como el jean- pero dignas todas de un desfile de alta costura.

Le falta vida a la casa Valentino. Goza de una popularidad y un éxito del que no disfrutaba desde hace muchos año, cierto, pero sus propuestas carecen de fuerza sobre la pasarela. Esta vez viajan hasta los idílicos jardines en los que Maria Antonieta disfrutaba de sus flores.

Por otro lado tenemos a Versace, que vuelve a la costura tras muchos años de ausencia. Parece que a la casa de la medusa le ha venido bien el insuflo de aire dinero de H&M y con sus cuentas al día ha vuelto a desfilar. ¿Ha valido la pena el esfuerzo? Pues observen y me dicen que les parece: Amazonas del futuro que parecen sacadas de una película de ciencia ficción (o de uno de los sueños de juventud de Donatella).

Poco ha tardado Jean Paul Gaultier en rendir homenaje a Amy Winehouse, pero lo ha hecho de la mejor manera posible, con una colección que recoge su esencia y la transforma en ricas creaciones dignas de los salones más exclusivos. Esto sí es alta costura, ese rincón donde los sueños se hacen realidad.

También sabe mucho de sueños Tisci, pero los suyos son oscuros e inquietantes. Cuarta edición consecutiva que Givenchy presenta sus modelos de manera estática

Propuestas delicadas, meticulosas y con una fuerza que muy pocos creadores saben trasladar a sus diseños.

En esta década surge una nueva generación de jóvenes que no ha vivido las penurias de la guerra y que lucha por diferenciarse de sus predecesores a los que acusan de los desastres de años anteriores.

Precisamente es ese sentimiento de rechazo a todo lo anterior lo que se encuentra detrás de la nueva estética porque, como siempre, los grandes giros en la moda esconden detrás importantes revoluciones sociales.

En aquellos años Londres era uno de los epicentros culturales del mundo. El periodo de efervescencia que vivió la ciudad se conocería como Swinging London, una época de optimismo desmedido tras la austeridad de los años que siguieron a la Segunda Guerra Mundial.

Es precisamente en Londres donde una joven Mary Quant abre una tienda en la que empezó a vender creaciones de otros modistos para ofrecer más tarde sus propios diseños. Desde su local en King’s Road la visionaria inglesa y su moda rápida adaptada a los gustos de los más jóvenes fueron algunas de las causas que hicieron tambalearse a las arcaicas casas de costura.

Pero dejemos a un lado la lucha entre costura y prêt-à-porter y centrémonos en la creación más célebre de Mary Quant: la minifalda.

La escueta prenda de ropa nació con afán de revolucionar al mundo sí, pero contrariamente a lo que se piensa su aparición (al menos al principio) no tuvo absolutamente nada que ver con la sexualidad. La minifalda nacía como un elemento más de rechazo. Los jóvenes rechazan la generación de sus progenitores y se aferran a su infancia. Se niegan a crecer y a convertirse en lo que tanto detestan: en sus padres.

Frente a los suntuosos vestidos de vuelo, a los talles ceñidos y a las faldas con metros y metros de crinolina, la nueva generación apuesta por faldas cortas, medias y leotardos de colores y merceditas con pulsera que recrean un look naïf que nada tiene que ver con las connotaciones sexuales que después se le atribuyeron.

Mary Quant (que se disputa el honor con Courrèges) fue la creadora del look, y éste se se vio perfectamente reflejado en Twiggy, la modelo del momento que encarnaba a la perfección todos los valores de la nueva generación. De estética aniñada (al fin y al cabo comenzó su carrera con sólo 17 años), piernas largas y pose desgarbada, se convirtió en una de las primeras modelos conocidas por el gran público. La joven Twiggy, que vivía al norte de Londres con sus padres, cobraba 180 dólares al día. Y esa suma, en 1966, la hacía una de las modelos mejor pagadas de la historia. Llegó a ser un verdadero icono y cuando viajó por primera vez a Estados Unidos se la recibió como si de una estrella del pop se tratase. Ella se convirtió en una celebridad y la minifalda en un icono que no ha vuelto a desaparecer de nuestros armarios.